quinta-feira, 3 de novembro de 2016

TUTORIAL VICENTE SEGRELLES ILUSTRADOR E ARTISTA ESPANHOL

O NUDO FÊMEA


Fascínio pela nudez tem sido uma constante na arte. No entanto, é um tópico complexo para o problema habitual de adicionar volume e cor a um desenho é agora aumentada pela consistência de cor e anatomia.


A figura humana pode ser desenhada bem sem um modelo. É uma questão de saber anatomia e proporções do corpo e, acima de tudo, dedução. Para aqueles que estão apenas começando, eu garanto que a dedução é da essência para ser um bom artista. Será uma ótima ferramenta não só para lidar com a figura, mas também perspectiva, luzes e cor. Algumas posições humanas memorizadas não ajudam em tudo, mas certamente restringirão sua criatividade.
Eu uso o cânone clássico de oito cabeças. Este é um cânone muito comum, já utilizado por Praxiteles, Dürer e Leonardo, por exemplo.
No que diz respeito à cabeça, eu uso o cânone de três partes e meia da seguinte forma: metade do crânio (1) até a linha do cabelo (2), então uma parte até as sobrancelhas (3), nariz (4) e queixo (5) ).
Enfim, a questão mais difícil de alcançar quando pintura figura nua é a aparência da carne.
Muitas vezes, uma cor de terra esbranquiçada aparece nas pinturas de alguns amadores. Este aspecto empoeirado ocorre quando a adição de branco para iluminar uma cor de carne escura acastanhada.
Você pode evitar esse problema usando cor de laranja de cádmio como base. Apenas faça o isqueiro com branco ou escureça com preto, com matiz adicionais para enriquecer, e as cores olharão limpas e consistentes.





 
 
 
 
 
PINTANDO UM SEASCAPE

Isto é mais ou menos a maneira que eu pinto seascapes, embora as etapas não sejam sempre as mesmas. No trabalho mostrado aqui, talvez eu tivesse terminado o céu em uma única sessão, mas eu queria mostrar as possibilidades do processo. A questão mais importante é conseguir a textura da água e, em seguida, adicionar resorts para evitar a monotonia.


1. Desenho aproximado da composição


2. Seleção de cores e primeira camada de pintura


3. Trabalho no edifício e as texturas aplicando íngreme


4. Aplicar cor à água, dependendo da direcção da superfície. Deve-se dar atenção especial às transparências e navegar nas ondas


5. Os trabalhos sobre o céu nublado e seu reflexo na água.


6. Detalhes finais e iluminação do edifício

PALETA DE CORES

Cada artista tem uma paleta de cores preferida. Eu trabalho com apenas onze cores, ou seja, quatro ou cinco básicos mais alguns que já estão misturados e são essenciais para mim.


1. Cores básicas





Às vezes, eu ouvi de alguns artistas amadores que eles usaram apenas as três cores básicas: amarelo, vermelho e azul. Aparentemente, se eles pintados em óleos, eles também usam branco.


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Honestamente, eu acho que isso é um erro. É verdade que misturando amarelo e azul você começa um verde bonito, e com um pouco de vermelho e amarelo você obter uma laranja bom. Mas certamente você nunca vai conseguir uma cor na faixa violeta com vermelho e azul, só porque o vermelho é carmim e amarelo.





I n o gráfico indústria das artes quatro tintas são utilizadas: amarelo, carmim (magenta), azul (ciano) e pretos. Com estas tintas ea cor branca no papel, eles obtêm o resto. No entanto, as cores de óleo opaco não funcionam como as tintas de impressão transparentes.





2. Minha paleta usual













Depois de muitos anos pintando em óleos, concluí que era muito mais útil para mim misturar as cores a partir das básicas, mas também tenho algumas já fabricadas para facilitar o trabalho. Minha paleta é feita das seguintes onze cores: branco, vermelhão, amarelo, laranja, ocre amarelo, verde azulado, verde profundo, azul prussiano, violeta, carmim e preto marfim.
Por favor, tenha em mente que algumas tintas são mais transparentes do que outros, e devemos olhar para a opacidade. Uso cores de cádmio vermelho, amarelo e laranja porque são muito opacas. Quanto aos pigmentos brancos, prefiro o branco de titânio por ser muito brilhante e bastante opaco.





3. Alguns tons básicos













Vermelhos e laranjas com branco são um bom terreno para tons de carne, que podem ser próximos tonificados com cinzas. Preto adicionado a laranja, com outras tonalidades, irá fornecer o sienna clássico e umbers.





Esmeralda verde com preto é muito útil para paisagens marinhas, mas infelizmente também resulta muito transparente. Às vezes é melhor preparar cor verde misturando azul e amarelo.





A cor azul é uma escolha delicada: deve ser intensa e limpa. Ultramar azul é um pouco avermelhado e evita alcançar blues céu limpo. O azul prussiano não funciona para violetas e é por isso que uso violeta pré-fabricado. Se você não pode encontrar a cor azul ideal, você pode ter ambos e também azul de cobalto.





O ocre amarelo é ideal para tons dourados, adicionando branco e amarelo.





Eu uso cor preta muito. Spite algumas opiniões, acho que a faixa cinza pode ser perfeitamente feita com preto e branco. Você só precisa então adicionar um pouco de outra cor para mudar o tom. É uma gama muito interessante para a prática, pois acredito que ele fornece consistência e riqueza para a pintura.


Cores, uns mais do que outros, olhar matt quando secado. Envernizamento não só proteger a pintura, mas também tornar as cores mais brilhantes e unificar o todo. Quando a obra de arte é para ser reproduzida, verniz brilhante não é recomendado uma vez que iria incomodar durante a digitalização ou processo fotográfico.
PREPARANDO O APOIO

Todos os suportes são bons para a pintura a óleo. Tenho ainda pintado não só sobre tela e painel, mas também em folha de alumínio, painéis de madeira envernizada de móveis e vidro. Enfim, o suporte mais prático para capas de livros e quadrinhos é, sem dúvida, papel.






Você precisa torná-lo à prova d'água, a fim de pintar corretamente no papel. Isto pode ser conseguido com muitos produtos, do tamanho ao branco do ovo. Eu uso um verniz acrílico transparente, diluído para que a porosidade é reduzida, mas a superfície não parece brilhante ou pegajosa.




O verniz é à base de água e isso vai inchar e deformar o papel. Eu fixo então a arte finala a um painel de madeira com fita adesiva.




Eu despejo um pouco de produto no desenho e inclinação do painel de modo que o próprio líquido desliza para baixo. Ajudado por uma escova macia, eu a tenho distribuído em uma maneira uniforme. O uso da escova deve ser extremamente cuidadoso, pois pode levar parte do grafite do lápis para longe.




Posteriormente, inclino o painel quase vertical para que o líquido se esvazie, deixando-o assim até secar. O papel, distendido por causa da umidade, permanecerá muito tenso após a secagem. Ao encolher, o papel pode rasgar a fita adesiva, por isso tenha cuidado. O papel deve ser consistente, o tipo de papel que, quando riscado, criam barbear ou poeira, mas sem fibras algodonosas.
Nosso desenho será agora entre papel e verniz assim, a menos que tenhamos verniz dissolvido com álcool, será impossível esfregá-lo para fora. A boa notícia é que, se estamos pintando e não gostamos dos resultados, podemos remover a tinta sem medo de limpar o esboço abaixo. Novamente, lembre-se de que a camada de verniz deve ser muito fina, mas nunca uma borracha tão fina pode excluir o esboço.

PROCESSO DE TRABALHO

Para cada trabalho, mesmo comissões, é da essência para encontrar uma boa idéia. Eu uso para fazer alguns esboços rápidos, apenas algumas linhas, em torno da mesma idéia e, em seguida, escolher qual é mais adequado.


Depois de ter decidido sobre a composição particular, eu preparar um desenho em escala de cinza em uma folha de papel (tamanho DIN-A4). A ilustração desta amostra destina-se a uma capa de livro. Assim, a imagem é ser forte e chamar a atenção dos clientes quando colocado entre o resto dos livros em uma vitrine. É importante nas capas de livros que a cena e a ação sejam dirigidas ao leitor.
Esta ilustração é boa para trabalhar da memória e pela dedução. As configurações podem ser inventadas. As figuras podem ser bem resolvidas da memória. Apenas a posição da menina pode ser de alguma forma difícil, mas você pode olhar para o apoio de modelos ou fotos. O luar sobre as figuras é meramente deduzido e servirá para separar os diferentes motivos na imagem.




Selecionar cores nem sempre é tão fácil. Eu recomendaria para preparar alguns esboços de cores para estar em terreno seguro. Se não, pode-se encontrar surpresas - por exemplo, a necessidade de re-pintar todo o fundo, porque é muito claro ou muito escuro.
Também é importante cuidar de tons e evitar cores em contradição. Por exemplo, não use uma gama quente de cores na figura e, em seguida, tons frios no fundo, se ambos são iluminados pela mesma luz.




Eu tive que pintar esta capa do livro no papel, porque eu pretendia usar minha técnica particular para pedras e pedras. O próximo passo foi desenhá-lo no artigo final. Coberturas são geralmente feitas bastante grande para que, quando reproduzido em um tamanho menor, eles aparecem com mais detalhes. Você não precisa incluir sombras no desenho, já que elas serão cobertas com pintura. Você só precisa as linhas mais importantes como um guia, com mais precisão nas figuras e menos nas áreas sem responsabilidade de desenho, como pedras e mar. O esboço deve ser o mais limpo possível, pois camadas transparentes de pintura podem permitir que linhas de lápis sejam vislumbradas. Os lápis devem ser macios para evitar que as linhas arranhem o papel.



E este é o resultado final, depois de várias sessões e dias de trabalho. Ele mede aproximadamente 60 x 40 cm, o tamanho que eu uso principalmente para capas de responsabilidade. As tampas normais e as páginas de quadrinhos são menores, de cerca de 50 x 37 cm. Eu escolhi esta ilustração como uma amostra porque contém muitos elementos que eu falo sobre no livro, como céus, rochas, seascapes, criaturas fantásticas, figura humana, nus e fantasia.








Os publicitários usam a atração exercida pelos nudes para travar a atenção de clientes possíveis. Ilustradores e criadores de capa de livro também sabem que um nude sugestivo pode ajudar a vender um livro. No entanto, às vezes você não tem permissão para usar isso e outras vezes pode não ser sábio ou útil.
A figura humana pode ser desenhada bem sem um modelo. É uma questão de saber anatomia e proporções do corpo e, acima de tudo, dedução. Para aqueles que estão apenas começando, eu garanto que a dedução é da essência para ser um bom artista. Será uma ótima ferramenta não só para lidar com a figura, mas também perspectiva, luzes e cor. Algumas posições humanas memorizadas não ajudam em tudo, mas certamente restringirão sua criatividade.
Eu uso o cânone clássico de oito cabeças. Este é um cânone muito comum, já utilizado por Praxiteles, Dürer e Leonardo, por exemplo.